El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter)

A principios del siglo XX aparecen en Alemania dos importantes grupos de expresionistas. Son conocidos como El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter); se crearon en diferente año y lugar, pero acaban coexistiendo en el mismo lugar y época.
En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura, entre los que se encuentran Kirchner y Heckel, crean El Puente (Die Brücke). Se funda en Dresde, pero posteriormente la agrupación se traslada a Munich. Actuaron como nexo entre Munch y el expresionismo posterior; de ahí su nombre. Se caracterizan por las formas angulosas y el colorido intenso en sus obras, algo que viene influenciado por el fauvismo y después por el cubismo. También son conocidos por recuperar la xilografía.

Women on the street. Ernst Ludwig Kirchner. 1915

El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) se fundó en Munich en 1911. Era un pequeño grupo entre los que destacan el ruso Vasili Kandinsky y Franz Marc. Fueron más influyentes que El Puente (Die Brücke) y transformaron el expresionismo alemán. Posteriormente, entran a formar parte varios artistas como Paul Klee y August Macke. Este grupo sabe mantener la potencia visual y cromática del expresionismo y rápidamente derivan hacia la abstracción. Esta evolución la realiza desde postulados cubistas. 

Cuadro con arco negro. Vasili Kandinsky. 1912

Ambos grupos se disuelven en 1913 por la 1ª Guerra Mundial, ya que algunos de ellos mueren y otros se van al frente o vuelven a su país de origen, como es el caso de Kandinsky, que regresa a su Rusia natal.

Cuando el iPad se convierte en arte

En esta entrada haré un recorrido por la vida del gran pintor británico del siglo XX, David Hockney, descubriendo cómo ha llegado a usar el iPad como herramienta de trabajo, cómo un artilugio tecnológico se ha convertido en su lienzo.

Árboles más grandes cerca de Warter o/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge post-photografique

Nace en 1937 en Bradford, Yorkshire, en el seno de una familia obrera. En 1948, consigue una beca en el instituto de secundaria de Bradford donde la disciplina artística pierde importancia respecto a otras asignaturas más teóricas. Es algo que él lamenta, ya que tiene un gran interés por el arte, influenciado por su padre. A los 17 y 18 años, durante los veranos, trabaja en los campos de East Riding y descubre hermosos paisajes aunque no los plasmará en su obra hasta finales de siglo, animado por un amigo que le ayuda a ver la relación existente con los paisajes de su región natal. En 1953, entra en la Escuela de Bellas Artes de Bradford donde se centrará, en su mayor parte, en paisajes influenciados por sus dos profesores predilectos. Realiza sus estudios de posgrado en el Royal College donde estará rodeado de grandes artistas, como Francis Bacon, que se encuentran entre sus tutores o visitantes, y esto ayudará al joven Hockney a meterse en los círculos artísticos de Londres. Es nombrado académico asociado por la Royal Academy of Arts de Londres en 1985.

Mulholland Drive: la carretera al estudio

Expone su primera obra ("Mount Street, Bradford") en 1957, en la Exposición de Verano de la Royal Academy of Arts. Durante sus estudios en la Royal College, su obra se ve influenciada por Bacon y Dubuffet. Comienza a trabajar con la técnica del grabado después de un viaje a Nueva York en 1961. Su obra es relacionada con un grupo de pintores pop pero él siempre lo ha rechazado. Su primera exposición individual, realizada en 1963, recoge sus pinturas más famosas de juventud. En 1964, descubre que la Polaroid le sirve de mnemotecnia para realizar sus obras. Entre 1965 y 1967, durante breves periodos, ejerce la docencia en América. Tres años después, en 1970, expone su primera retrospectiva -"David Hockney: painting, prints and drawings 1960-1970"- en la Whitechapel Gallery de Londres. Crea su primera escenografía y vestuario operístico en 1974 y no será la única, ya que creará muchas más a lo largo de los años. "Mulholland Drive: la carretera al estudio" (1980) es su mayor obra en un solo lienzo (218,4 x 617,2 cm.) A principios de la década de los 90 realiza "Pinturas muy nuevas", que son obras cercanas a la abstracción, y la obra de Vermeer le anima para varios bodegones. A finales del s. XX hace una serie de dibujos inspirados en retratos de Ingres. En 2007, ayudado de la cámara fotográfica y dibujos informáticos impresos, para la transición entre lienzos, crea la obra "Árboles más grandes cerca de Warter o/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge post-photografique" (4,5 x 12 m.) que está compuesta por 50 lienzos. Lleva a cabo un proyecto fílmico con batería de cámaras de vídeo de alta definición montadas sobre el capó de su coche que, posteriormente, se reproduce en una retícula de monitores. Estos, a su vez, ofrecen varios puntos de vista y perspectiva, como en la retícula de lienzos de su obra.

La llegada de la primavera en
Woodgate, East Yorkshire,
en 2011 (dos mil once)
- 12 de abril

En 2008, realiza dibujos informáticos con Photoshop, que imprime después, y consigue gran dominio del iPhone donde realiza dibujos que manda por correo electrónico a sus amigos. Comienza a usar la aplicación Brushes en el iPad, que le permite reproducir el proceso creativo pincelada a pincelada. En él puede contemplar su forma de pintar igual que Picasso lo hacía cuando pintaba sobre cristal. Empieza a utilizar el iPad para pintar paisajes directamente del natural.

El rey destronado. Creador del pop art

El estilo pop art siempre va unido a Andy Warhol y sus retratos de Marilyn Monroe o las latas de Sopas Campbell. Siento mucho deciros que él realmente no fue el creador de este estilo, simplemente aprovechó la creación de otro artista, Alex Katz, y la usó y expuso al público antes que él.

Alex Katz, neoyorquino de padres rusos, nació en 1927. En 1946, entró en la Escuela de Arte de Cooper Union en Manhattan donde estudió técnicas y teorías del arte moderno. Fue instruido, en Maine, para pintar escenas cotidianas de la vida, algo fundamental en su desarrollo artístico y básico en sus prácticas actuales; afirma que esto le dio "una razón para dedicar mi vida a la pintura". Inaugura su primera exposición en solitario en 1954 (ocho años antes que Warhol). A finales de los años 50, sus obras empiezan a ser más realistas y se centra en los retratos con fondos monocromos (característica que define su estilo) anticipando el pop art, es decir, creándolo y desaprovechando la oportunidad, que recogerá unos años más tarde Warhol, de ser conocido como el creador de un nuevo movimiento artístico.

La obra de Alex Katz se caracteriza por su gran tamaño, influenciado por las vallas publicitarias, planos muy cercanos y con cortes radicales, sobre todo en retratos, gran planicidad de las figuras y fondos monocromos como ya he mencionado anteriormente.

Este gran maestro del realismo ha realizado más de 200 exposiciones individuales y casi 500 colectivas desde que comenzase su carrera en 1951. Y ha recibido numerosos premios por su carrera, en Nueva York, Chicago, Maine, Berlín...

El románico, su "precursor"

La idea de escribir esta nueva entrada surgió de un comentario en una entrada anterior sobre el románico (Más simple que el mecanismo de un pincel). Pilar comentó: "Creo que el románico es el precursor del arte abstracto", y en ese mismo momento empecé a realizar una comparativa entre los dos movimientos pictóricos tan posiblemente parecidos y tan distantes en el tiempo porque recordemos que el románico se desarrolla entre los siglos XI y XIII mientras que el arte abstracto surge a principios del s. XX.

El arte abstracto busca lo más esencial del arte (forma, cromatismo y estructura). Intenta apartarse de la realidad, y no me refiero a que no se base en ella, sino a que eligiendo modelos reales se aleja de la reproducción fiel de lo natural (perspectiva, color, iluminación y espacio real), todo lo contrario al realismo. Este cambio se produce por la aparición de la fotografía, que plasma la realidad sin tener que acudir a pinceles, pinturas... Todo esto fuerza al arte a evolucionar saliendo de la linea figurativa que se llevaba a cabo desde el Renacimiento (principalmente en el arte de occidente) y lo hace a partir de las vanguardias: el fauvismo y el expresionismo (liberan el color) derivan en la abstracción lírica, el cubismo (se centra en la conceptualización de la forma y la composición) da paso a las abstracciones constructiva y geométrica.

Uno de los más grandes artistas de este movimiento fue el suizo Paul Klee, maestro de la Bauhaus, que utiliza símbolos gráficos como las flechas para "crear" movimiento en sus obras. Pero de él hablaré más adelante porque una simple mención no basta para este maestro.

Por lo tanto, el arte abstracto podría ser una evolución directa del románico ya que por la fotografía se "olvida", y lo pongo entre comillas porque un buen artista siempre tiene presente todo el arte anterior a su época, que es por lo que evoluciona, la manera de hacer las cosas desde el Renacimiento hasta el s. XIX. El arte vuelve a la planicidad, la esquematización y la falta de realismo.

El arte contemporáneo (desde 1870 hasta la actualidad)

Este mapa muestra un resumen del arte de los últimos 150 años. Desde el impresionismo -momento en el cual el arte deja de tener una evolución lineal como había ocurrido hasta ese momento-, hasta el arte actual, en el que todos los movimientos de este periodo de tiempo se unen. No podemos olvidarnos de la gran escuela artística, Bauhaus, punto donde todos los movimientos "conviven" y confluyen, es por eso que está situado como estación central donde todas las vías entran y salen.

Esta simplificación de tan enrevesado siglo artístico se la debemos al director artístico de la BBC, Will Gompertz. Ha realizado un gran trabajo dándonos las claves del arte contemporáneo para una mejor comprensión. Es una buena "herramienta" para profesionales, aficionados e incluso neófitos.

Más simple que el mecanismo de un pincel

El arte románico fue el primer movimiento claramente europeo (entre el s. XI - s. XIII). La pintura románica es fácil de entender y de identificar. Tiene características muy concretas: el tema habitual es el religioso, falta de realismo, bastante esquematizado, escasa gama de color, fondos lisos y figuras planas y sin volumen.

Teniendo esta información creo que muchos estaréis de acuerdo conmigo en que este tipo de pintura no tiene ningún misterio para ninguno de nosotros ya que es lo mismo que hicimos durante años en las clases de plástica del colegio: un dibujo simple con grandes campos de color y de los que no te podías salir, usar las ceras o pinturas de madera sin que se notasen los trazos del utensilio en cuestión y, además, nadie te enseñaba a dar sombras, por lo que los dibujos eran mas planos que una mesa de mármol. 

Así que, sabiendo esto, ¿es el románico un movimiento artístico simple o parece muy simple porque lo tenemos muy machacado desde pequeños?

¿Instrumento de guerra? ¿Por qué no?

Abriré el blog con la explicación del título. Imagino que muchos os preguntaréis por qué un blog sobre arte tiene un titulo tan atípico, por qué no he puesto algo como "Grandes genios del arte", que queda muy pomposo e indica claramente de qué va el tema, Pues bien, la idea surgió de una frase del mayor genio español del siglo XX: Pablo Picasso. El autor de grandes obras como El Guernica o Las señoritas de Avignon dijo: "La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo". Al leerla me hizo pensar hasta que punto eso era verdad, me di cuenta de que el arte puede ser una de las mayores armas del mundo, y más en este momento de "borreguismo" que atraviesa la sociedad actual. Una buena obra de arte, en el momento oportuno y con los medios necesarios, puede hacer despertar la capacidad de razonamiento de cualquier persona siempre y cuando quiera salir de su letargo.