Paul Klee, maestro de la Bauhaus I

Esta nueva entrada del blog va dedicada a Paul Klee, uno de los más importantes artistas europeos del siglo XX. Debido a su gran trayectoria habrá que dividir su vida en dos entradas del blog.

La trayectoria artística de Klee tiene dramáticas e irresueltas ambigüedades (clásico y moderno, fragmentario e irregular). Esto es debido a que posee una gran aptitud para la experimentación (con materiales y técnicas) y la compenetración recíproca entre las disciplinas en las que el se mueve (autobiografía, música y dibujo). Los primeros intentos son decididamente realistas pero alejados de sentimentalismos. Hacer un repaso de su vida y su estilo significaría hacer un repaso estricto de la historia del arte moderno con investigaciones literarias y psicoanalistas.

Círculo cromático de Paul Klee

Paul Klee (1879-1940) nació en Suiza, en el seno de una familia de músicos, pero pasó gran parte de su vida en Alemania.
El primer contacto con el dibujo fue de manos de su abuela materna. Paralelamente estudiaba música y escritura poética. Todo esto con tan solo 3 años. Durante su adolescencia compaginó los estudios en el instituto con el violín. Al final de su etapa en el instituto realizó dibujos de su vida cotidiana (la ciudad de Berna y sus paisajes). Estos dibujos de su día a día supondrán el comienzo de las páginas de autobiografía.
A finales de los noventa sus dibujos están fuera del convencionalismo con una tendencia hacia la deformación expresionista marcada por un trazo breve e inquieto y una forma inestable y analítica.
Su futuro no lo tuvo muy claro durante algún tiempo ya que no sabia si ser poeta (talento en poesía y relatos inéditos), músico (llegó a tocar el violín en la Orquesta Sinfónica de Berna) o ilustrador. Finalmente su futuro se encauzó como ilustrador en 1898 cuando intentó entrar en la Academia de Bellas Artes de Munich. Al no conseguir el acceso se matriculó en una escuela privada en que estudió tres años donde, por falta de entusiasmo, hizo unos trabajos y dibujos poco originales. Fuera del ámbito académico creó una serie, por desgracia, corta, de dibujos humorísticos y bocetos que muestran su gran originalidad e inventiva. Gracias a esto comenzó la búsqueda de un estilo más personal centrado en el dibujo y el trazo perjudicando al color. En 1899 aprendió la técnica del aguafuerte con un grabador. Un año después consiguió entrar en la Academia de Bellas Artes de Munich donde coincidió con Wassily Kandinsky. En 1902 viajó a Italia donde quedó fascinado por la grandeza del arte (arquitectura, escultura, pintura...), este viaje supuso el final de su formación académica y una inspiración en diferentes trabajos de su vida.

Su obra debut: Opus I (1903-1905), consiste en 15 grabados titulados "Invenciones" en las que se refleja una crítica a la burguesía. El inicio de esta colección se vio marcado por retoques, replanteamientos y modificaciones. En 1907, a raíz del nacimiento de su hijo, cobró fuerza la idea de un estilo propio, maduro y personal. Las primeras obras que realizó en Munich, después de trasladarse allí con su familia, son obras de pequeño formato por el poco espacio que tenía para trabajar. Una exposición sobre Cézanne le influye enormemente a la hora de realizar su trabajo a partir de entonces; utiliza colores más puros con trazo fragmentado y sistematizado. En 1911, creó un ciclo de grabados con altos niveles de calidad. Ese mismo año entró a formar parte de El Jinete Azul. Junto con Kandinsky, Marc y otros compañeros, en 1913, crearon un ambicioso proyecto para ilustrar la Biblia. Un año después viajó a Túnez y eso supuso una nueva renovación de su estilo y su paleta, reforzando el cromatismo. La producción durante la I Guerra Mundial muestra un pensamiento centrado en el conflicto.

Bauhaus. Escuela de diseño

Logotipo de la Bauhaus

La Bauhaus fue la primera escuela de diseño del siglo XX. Fue fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar. En ella se englobaban los estudios de artesanía, diseño y arte y posteriormente se incluyó la materia de arquitectura en el programa de estudios. Su creación surgió por una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas para transformar la sociedad burguesa.

La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico en su escuela de diseño

La escuela pasó por tres etapas:

La primera etapa (1919-1923) era idealista y romántica, una fase de experimentación de formas, productos y diseños. La escuela tenía como objetivos principales la recuperación de los métodos artesanales hasta el nivel de las Bellas Artes y la comercialización de los productos. Se creó un curso preliminar para despertar las dotes personales del futuro miembro. En 1920, el alemán Paul Klee entró a formar parte del profesorado para encargarse de una enseñanza basada en las formas elementales. Su estancia duró hasta 1931. Un año después de la llegada del alemán Kandinsky, de origen ruso, comenzó a impartir clases de pintura en mural y, junto con Klee, de diseño básico.

La segunda etapa (1923-1925) fue más racionalista. Con la llegada a la escuela de Theo van Doesburg (creador del neoplasticismo o De Stijl) cambió el rumbo de la escuela. La tendencia expresionista que hasta ese momento había marcado el estilo de la escuela pasó a ser "nueva objetividad", que no era más que un expresionismo más sobrio. Se introdujo a su vez el constructivismo ruso basado en la idea, no en la inspiración. En esta etapa se dieron algunos de los mayores éxitos teóricos de la Bauhaus.

La tercera etapa (1925-1933) fue la que mayor reconocimiento tendría. La escuela cambiaba de sede en 1925 por la crisis económica y se instalaba en Dessau. László Moholy-Nagy, artista muy cercano a Van Doesburg e introductor del constructivismo ruso en la escuela, abandonó la Bauhaus. En 1927, la dirección del centro, que hasta ese momento había estado en manos del creador de la escuela, Walter Gropius, pasó a Hannes Meyer. Meyer estaría al frente del centro solo tres años, ya que en 1930 cogió las riendas de la directiva Lugwig Mies van der Rohe. En 1932, la escuela volvió a trasladarse, esta vez a Berlín, porque los nazis les obligaron a cerrar el edificio de Dessau. El nuevo emplazamiento duró poco: en abril de 1933 los nazis cerraron definitivamente la escuela por considerarla socialista internacionalista y cercana al judaísmo.

Dessau, Bauhaus en la actualidad

Después de su cierre, muchos de los integrantes de la Bauhaus se marcharon a Estados Unidos. Moholy-Nagy fundó la New Bauhaus, en Chicago, en 1937. Max Bill, arquitecto y escultor suizo, creó en 1951 la Neues Bauhaus, en la República Federal Alemana.

En 1996, la Bauhaus y sus sitios de Weimar y Dessau fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Manifiesto y programa de estudios de la Bauhaus traducido al español.

El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter)

A principios del siglo XX aparecen en Alemania dos importantes grupos de expresionistas. Son conocidos como El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter); se crearon en diferente año y lugar, pero acaban coexistiendo en el mismo lugar y época.
En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura, entre los que se encuentran Kirchner y Heckel, crean El Puente (Die Brücke). Se funda en Dresde, pero posteriormente la agrupación se traslada a Munich. Actuaron como nexo entre Munch y el expresionismo posterior; de ahí su nombre. Se caracterizan por las formas angulosas y el colorido intenso en sus obras, algo que viene influenciado por el fauvismo y después por el cubismo. También son conocidos por recuperar la xilografía.

Women on the street. Ernst Ludwig Kirchner. 1915

El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) se fundó en Munich en 1911. Era un pequeño grupo entre los que destacan el ruso Vasili Kandinsky y Franz Marc. Fueron más influyentes que El Puente (Die Brücke) y transformaron el expresionismo alemán. Posteriormente, entran a formar parte varios artistas como Paul Klee y August Macke. Este grupo sabe mantener la potencia visual y cromática del expresionismo y rápidamente derivan hacia la abstracción. Esta evolución la realiza desde postulados cubistas. 

Cuadro con arco negro. Vasili Kandinsky. 1912

Ambos grupos se disuelven en 1913 por la 1ª Guerra Mundial, ya que algunos de ellos mueren y otros se van al frente o vuelven a su país de origen, como es el caso de Kandinsky, que regresa a su Rusia natal.

El románico, su "precursor"

La idea de escribir esta nueva entrada surgió de un comentario en una entrada anterior sobre el románico (Más simple que el mecanismo de un pincel). Pilar comentó: "Creo que el románico es el precursor del arte abstracto", y en ese mismo momento empecé a realizar una comparativa entre los dos movimientos pictóricos tan posiblemente parecidos y tan distantes en el tiempo porque recordemos que el románico se desarrolla entre los siglos XI y XIII mientras que el arte abstracto surge a principios del s. XX.

El arte abstracto busca lo más esencial del arte (forma, cromatismo y estructura). Intenta apartarse de la realidad, y no me refiero a que no se base en ella, sino a que eligiendo modelos reales se aleja de la reproducción fiel de lo natural (perspectiva, color, iluminación y espacio real), todo lo contrario al realismo. Este cambio se produce por la aparición de la fotografía, que plasma la realidad sin tener que acudir a pinceles, pinturas... Todo esto fuerza al arte a evolucionar saliendo de la linea figurativa que se llevaba a cabo desde el Renacimiento (principalmente en el arte de occidente) y lo hace a partir de las vanguardias: el fauvismo y el expresionismo (liberan el color) derivan en la abstracción lírica, el cubismo (se centra en la conceptualización de la forma y la composición) da paso a las abstracciones constructiva y geométrica.

Uno de los más grandes artistas de este movimiento fue el suizo Paul Klee, maestro de la Bauhaus, que utiliza símbolos gráficos como las flechas para "crear" movimiento en sus obras. Pero de él hablaré más adelante porque una simple mención no basta para este maestro.

Por lo tanto, el arte abstracto podría ser una evolución directa del románico ya que por la fotografía se "olvida", y lo pongo entre comillas porque un buen artista siempre tiene presente todo el arte anterior a su época, que es por lo que evoluciona, la manera de hacer las cosas desde el Renacimiento hasta el s. XIX. El arte vuelve a la planicidad, la esquematización y la falta de realismo.