Paul Klee, maestro de la Bauhaus I

Esta nueva entrada del blog va dedicada a Paul Klee, uno de los más importantes artistas europeos del siglo XX. Debido a su gran trayectoria habrá que dividir su vida en dos entradas del blog.

La trayectoria artística de Klee tiene dramáticas e irresueltas ambigüedades (clásico y moderno, fragmentario e irregular). Esto es debido a que posee una gran aptitud para la experimentación (con materiales y técnicas) y la compenetración recíproca entre las disciplinas en las que el se mueve (autobiografía, música y dibujo). Los primeros intentos son decididamente realistas pero alejados de sentimentalismos. Hacer un repaso de su vida y su estilo significaría hacer un repaso estricto de la historia del arte moderno con investigaciones literarias y psicoanalistas.

Círculo cromático de Paul Klee

Paul Klee (1879-1940) nació en Suiza, en el seno de una familia de músicos, pero pasó gran parte de su vida en Alemania.
El primer contacto con el dibujo fue de manos de su abuela materna. Paralelamente estudiaba música y escritura poética. Todo esto con tan solo 3 años. Durante su adolescencia compaginó los estudios en el instituto con el violín. Al final de su etapa en el instituto realizó dibujos de su vida cotidiana (la ciudad de Berna y sus paisajes). Estos dibujos de su día a día supondrán el comienzo de las páginas de autobiografía.
A finales de los noventa sus dibujos están fuera del convencionalismo con una tendencia hacia la deformación expresionista marcada por un trazo breve e inquieto y una forma inestable y analítica.
Su futuro no lo tuvo muy claro durante algún tiempo ya que no sabia si ser poeta (talento en poesía y relatos inéditos), músico (llegó a tocar el violín en la Orquesta Sinfónica de Berna) o ilustrador. Finalmente su futuro se encauzó como ilustrador en 1898 cuando intentó entrar en la Academia de Bellas Artes de Munich. Al no conseguir el acceso se matriculó en una escuela privada en que estudió tres años donde, por falta de entusiasmo, hizo unos trabajos y dibujos poco originales. Fuera del ámbito académico creó una serie, por desgracia, corta, de dibujos humorísticos y bocetos que muestran su gran originalidad e inventiva. Gracias a esto comenzó la búsqueda de un estilo más personal centrado en el dibujo y el trazo perjudicando al color. En 1899 aprendió la técnica del aguafuerte con un grabador. Un año después consiguió entrar en la Academia de Bellas Artes de Munich donde coincidió con Wassily Kandinsky. En 1902 viajó a Italia donde quedó fascinado por la grandeza del arte (arquitectura, escultura, pintura...), este viaje supuso el final de su formación académica y una inspiración en diferentes trabajos de su vida.

Su obra debut: Opus I (1903-1905), consiste en 15 grabados titulados "Invenciones" en las que se refleja una crítica a la burguesía. El inicio de esta colección se vio marcado por retoques, replanteamientos y modificaciones. En 1907, a raíz del nacimiento de su hijo, cobró fuerza la idea de un estilo propio, maduro y personal. Las primeras obras que realizó en Munich, después de trasladarse allí con su familia, son obras de pequeño formato por el poco espacio que tenía para trabajar. Una exposición sobre Cézanne le influye enormemente a la hora de realizar su trabajo a partir de entonces; utiliza colores más puros con trazo fragmentado y sistematizado. En 1911, creó un ciclo de grabados con altos niveles de calidad. Ese mismo año entró a formar parte de El Jinete Azul. Junto con Kandinsky, Marc y otros compañeros, en 1913, crearon un ambicioso proyecto para ilustrar la Biblia. Un año después viajó a Túnez y eso supuso una nueva renovación de su estilo y su paleta, reforzando el cromatismo. La producción durante la I Guerra Mundial muestra un pensamiento centrado en el conflicto.

Bauhaus. Escuela de diseño

Logotipo de la Bauhaus

La Bauhaus fue la primera escuela de diseño del siglo XX. Fue fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar. En ella se englobaban los estudios de artesanía, diseño y arte y posteriormente se incluyó la materia de arquitectura en el programa de estudios. Su creación surgió por una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas para transformar la sociedad burguesa.

La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico en su escuela de diseño

La escuela pasó por tres etapas:

La primera etapa (1919-1923) era idealista y romántica, una fase de experimentación de formas, productos y diseños. La escuela tenía como objetivos principales la recuperación de los métodos artesanales hasta el nivel de las Bellas Artes y la comercialización de los productos. Se creó un curso preliminar para despertar las dotes personales del futuro miembro. En 1920, el alemán Paul Klee entró a formar parte del profesorado para encargarse de una enseñanza basada en las formas elementales. Su estancia duró hasta 1931. Un año después de la llegada del alemán Kandinsky, de origen ruso, comenzó a impartir clases de pintura en mural y, junto con Klee, de diseño básico.

La segunda etapa (1923-1925) fue más racionalista. Con la llegada a la escuela de Theo van Doesburg (creador del neoplasticismo o De Stijl) cambió el rumbo de la escuela. La tendencia expresionista que hasta ese momento había marcado el estilo de la escuela pasó a ser "nueva objetividad", que no era más que un expresionismo más sobrio. Se introdujo a su vez el constructivismo ruso basado en la idea, no en la inspiración. En esta etapa se dieron algunos de los mayores éxitos teóricos de la Bauhaus.

La tercera etapa (1925-1933) fue la que mayor reconocimiento tendría. La escuela cambiaba de sede en 1925 por la crisis económica y se instalaba en Dessau. László Moholy-Nagy, artista muy cercano a Van Doesburg e introductor del constructivismo ruso en la escuela, abandonó la Bauhaus. En 1927, la dirección del centro, que hasta ese momento había estado en manos del creador de la escuela, Walter Gropius, pasó a Hannes Meyer. Meyer estaría al frente del centro solo tres años, ya que en 1930 cogió las riendas de la directiva Lugwig Mies van der Rohe. En 1932, la escuela volvió a trasladarse, esta vez a Berlín, porque los nazis les obligaron a cerrar el edificio de Dessau. El nuevo emplazamiento duró poco: en abril de 1933 los nazis cerraron definitivamente la escuela por considerarla socialista internacionalista y cercana al judaísmo.

Dessau, Bauhaus en la actualidad

Después de su cierre, muchos de los integrantes de la Bauhaus se marcharon a Estados Unidos. Moholy-Nagy fundó la New Bauhaus, en Chicago, en 1937. Max Bill, arquitecto y escultor suizo, creó en 1951 la Neues Bauhaus, en la República Federal Alemana.

En 1996, la Bauhaus y sus sitios de Weimar y Dessau fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Manifiesto y programa de estudios de la Bauhaus traducido al español.

El arte de la Ilustración

La fuente. Jean Auguste Dominique Ingres. 1856

Nos trasladamos a mediados del s. XVIII para hacer una revisión del Neoclasicismo, movimiento artístico unido a la Ilustración.

El arte neoclásico -movimiento de ideología burguesa- surge como reacción a la frivolidad del aristocrático rococó. Se asocia a los principios intelectuales de la Ilustración, comenzando en la rama filosófica y transmitiéndose posteriormente a toda la cultura (pintura, escultura, arquitectura...). Aparte de la filosofía, las artes sobre las que más repercusión tiene son la escultura y la arquitectura, ya que el Neoclasicismo se inspira, como su propio nombre indica, en el mundo clásico griego y romano y, por tanto, cuenta con más ejemplos para imitar que la pintura -la ejemplificación de la época clásica es prácticamente nula-. El Neoclasicismo desaparece en 1820 arrollado por el Romanticismo y su avance revolucionario.

Racionalidad, claridad, sencillez, equilibrio... son algunos de los principios de la Ilustración trasladados al lenguaje pictórico. La pintura neoclásica se caracteriza por un contraste violento en la luz y la sombra utilizando infinidad de matices y tonalidades de cada color para tales efectos. También se puede ver claramente una exaltación del color, predominante sobre el dibujo, y la omisión de las líneas de dibujo que son sustituidas por pinceladas sueltas de color.

La muerte de Viriato. José de Madrazo. 1807

Los grandes pintores neoclásicos son en su mayoría franceses (Jacques Louis David, Jean Auguste Dominique Ingres, Antoine-Jean Gros -discípulo de Louis David-, François Gérard...). En el resto de Europa fueron menos numerosos, pero no por ello menos importantes (Anton Raphael Mengs -Alemania-, José de Madrazo y Juan Antonio Ribera -España-, los británicos Gavin Hamilton y Nathaniel Dance, Angelica Kauffmann -Suiza- o Andrea Appiani y Vincenzo Camuccini -Italia-).

El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter)

A principios del siglo XX aparecen en Alemania dos importantes grupos de expresionistas. Son conocidos como El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter); se crearon en diferente año y lugar, pero acaban coexistiendo en el mismo lugar y época.
En 1905, cuatro estudiantes de arquitectura, entre los que se encuentran Kirchner y Heckel, crean El Puente (Die Brücke). Se funda en Dresde, pero posteriormente la agrupación se traslada a Munich. Actuaron como nexo entre Munch y el expresionismo posterior; de ahí su nombre. Se caracterizan por las formas angulosas y el colorido intenso en sus obras, algo que viene influenciado por el fauvismo y después por el cubismo. También son conocidos por recuperar la xilografía.

Women on the street. Ernst Ludwig Kirchner. 1915

El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) se fundó en Munich en 1911. Era un pequeño grupo entre los que destacan el ruso Vasili Kandinsky y Franz Marc. Fueron más influyentes que El Puente (Die Brücke) y transformaron el expresionismo alemán. Posteriormente, entran a formar parte varios artistas como Paul Klee y August Macke. Este grupo sabe mantener la potencia visual y cromática del expresionismo y rápidamente derivan hacia la abstracción. Esta evolución la realiza desde postulados cubistas. 

Cuadro con arco negro. Vasili Kandinsky. 1912

Ambos grupos se disuelven en 1913 por la 1ª Guerra Mundial, ya que algunos de ellos mueren y otros se van al frente o vuelven a su país de origen, como es el caso de Kandinsky, que regresa a su Rusia natal.

Cuando el iPad se convierte en arte

En esta entrada haré un recorrido por la vida del gran pintor británico del siglo XX, David Hockney, descubriendo cómo ha llegado a usar el iPad como herramienta de trabajo, cómo un artilugio tecnológico se ha convertido en su lienzo.

Árboles más grandes cerca de Warter o/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge post-photografique

Nace en 1937 en Bradford, Yorkshire, en el seno de una familia obrera. En 1948, consigue una beca en el instituto de secundaria de Bradford donde la disciplina artística pierde importancia respecto a otras asignaturas más teóricas. Es algo que él lamenta, ya que tiene un gran interés por el arte, influenciado por su padre. A los 17 y 18 años, durante los veranos, trabaja en los campos de East Riding y descubre hermosos paisajes aunque no los plasmará en su obra hasta finales de siglo, animado por un amigo que le ayuda a ver la relación existente con los paisajes de su región natal. En 1953, entra en la Escuela de Bellas Artes de Bradford donde se centrará, en su mayor parte, en paisajes influenciados por sus dos profesores predilectos. Realiza sus estudios de posgrado en el Royal College donde estará rodeado de grandes artistas, como Francis Bacon, que se encuentran entre sus tutores o visitantes, y esto ayudará al joven Hockney a meterse en los círculos artísticos de Londres. Es nombrado académico asociado por la Royal Academy of Arts de Londres en 1985.

Mulholland Drive: la carretera al estudio

Expone su primera obra ("Mount Street, Bradford") en 1957, en la Exposición de Verano de la Royal Academy of Arts. Durante sus estudios en la Royal College, su obra se ve influenciada por Bacon y Dubuffet. Comienza a trabajar con la técnica del grabado después de un viaje a Nueva York en 1961. Su obra es relacionada con un grupo de pintores pop pero él siempre lo ha rechazado. Su primera exposición individual, realizada en 1963, recoge sus pinturas más famosas de juventud. En 1964, descubre que la Polaroid le sirve de mnemotecnia para realizar sus obras. Entre 1965 y 1967, durante breves periodos, ejerce la docencia en América. Tres años después, en 1970, expone su primera retrospectiva -"David Hockney: painting, prints and drawings 1960-1970"- en la Whitechapel Gallery de Londres. Crea su primera escenografía y vestuario operístico en 1974 y no será la única, ya que creará muchas más a lo largo de los años. "Mulholland Drive: la carretera al estudio" (1980) es su mayor obra en un solo lienzo (218,4 x 617,2 cm.) A principios de la década de los 90 realiza "Pinturas muy nuevas", que son obras cercanas a la abstracción, y la obra de Vermeer le anima para varios bodegones. A finales del s. XX hace una serie de dibujos inspirados en retratos de Ingres. En 2007, ayudado de la cámara fotográfica y dibujos informáticos impresos, para la transición entre lienzos, crea la obra "Árboles más grandes cerca de Warter o/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge post-photografique" (4,5 x 12 m.) que está compuesta por 50 lienzos. Lleva a cabo un proyecto fílmico con batería de cámaras de vídeo de alta definición montadas sobre el capó de su coche que, posteriormente, se reproduce en una retícula de monitores. Estos, a su vez, ofrecen varios puntos de vista y perspectiva, como en la retícula de lienzos de su obra.

La llegada de la primavera en
Woodgate, East Yorkshire,
en 2011 (dos mil once)
- 12 de abril

En 2008, realiza dibujos informáticos con Photoshop, que imprime después, y consigue gran dominio del iPhone donde realiza dibujos que manda por correo electrónico a sus amigos. Comienza a usar la aplicación Brushes en el iPad, que le permite reproducir el proceso creativo pincelada a pincelada. En él puede contemplar su forma de pintar igual que Picasso lo hacía cuando pintaba sobre cristal. Empieza a utilizar el iPad para pintar paisajes directamente del natural.

El rey destronado. Creador del pop art

El estilo pop art siempre va unido a Andy Warhol y sus retratos de Marilyn Monroe o las latas de Sopas Campbell. Siento mucho deciros que él realmente no fue el creador de este estilo, simplemente aprovechó la creación de otro artista, Alex Katz, y la usó y expuso al público antes que él.

Alex Katz, neoyorquino de padres rusos, nació en 1927. En 1946, entró en la Escuela de Arte de Cooper Union en Manhattan donde estudió técnicas y teorías del arte moderno. Fue instruido, en Maine, para pintar escenas cotidianas de la vida, algo fundamental en su desarrollo artístico y básico en sus prácticas actuales; afirma que esto le dio "una razón para dedicar mi vida a la pintura". Inaugura su primera exposición en solitario en 1954 (ocho años antes que Warhol). A finales de los años 50, sus obras empiezan a ser más realistas y se centra en los retratos con fondos monocromos (característica que define su estilo) anticipando el pop art, es decir, creándolo y desaprovechando la oportunidad, que recogerá unos años más tarde Warhol, de ser conocido como el creador de un nuevo movimiento artístico.

La obra de Alex Katz se caracteriza por su gran tamaño, influenciado por las vallas publicitarias, planos muy cercanos y con cortes radicales, sobre todo en retratos, gran planicidad de las figuras y fondos monocromos como ya he mencionado anteriormente.

Este gran maestro del realismo ha realizado más de 200 exposiciones individuales y casi 500 colectivas desde que comenzase su carrera en 1951. Y ha recibido numerosos premios por su carrera, en Nueva York, Chicago, Maine, Berlín...

El románico, su "precursor"

La idea de escribir esta nueva entrada surgió de un comentario en una entrada anterior sobre el románico (Más simple que el mecanismo de un pincel). Pilar comentó: "Creo que el románico es el precursor del arte abstracto", y en ese mismo momento empecé a realizar una comparativa entre los dos movimientos pictóricos tan posiblemente parecidos y tan distantes en el tiempo porque recordemos que el románico se desarrolla entre los siglos XI y XIII mientras que el arte abstracto surge a principios del s. XX.

El arte abstracto busca lo más esencial del arte (forma, cromatismo y estructura). Intenta apartarse de la realidad, y no me refiero a que no se base en ella, sino a que eligiendo modelos reales se aleja de la reproducción fiel de lo natural (perspectiva, color, iluminación y espacio real), todo lo contrario al realismo. Este cambio se produce por la aparición de la fotografía, que plasma la realidad sin tener que acudir a pinceles, pinturas... Todo esto fuerza al arte a evolucionar saliendo de la linea figurativa que se llevaba a cabo desde el Renacimiento (principalmente en el arte de occidente) y lo hace a partir de las vanguardias: el fauvismo y el expresionismo (liberan el color) derivan en la abstracción lírica, el cubismo (se centra en la conceptualización de la forma y la composición) da paso a las abstracciones constructiva y geométrica.

Uno de los más grandes artistas de este movimiento fue el suizo Paul Klee, maestro de la Bauhaus, que utiliza símbolos gráficos como las flechas para "crear" movimiento en sus obras. Pero de él hablaré más adelante porque una simple mención no basta para este maestro.

Por lo tanto, el arte abstracto podría ser una evolución directa del románico ya que por la fotografía se "olvida", y lo pongo entre comillas porque un buen artista siempre tiene presente todo el arte anterior a su época, que es por lo que evoluciona, la manera de hacer las cosas desde el Renacimiento hasta el s. XIX. El arte vuelve a la planicidad, la esquematización y la falta de realismo.